Le Voci della Critica

Nero come punto d’arrivo del calar del sole tra lingue di fuoco che si specchiano lungo un suolo ricco di luce separato dal blu celeste. Nero come linea di confine, punto d’incontro tra il Cielo e la Terra dove nel mezzo si colloca l’Uomo, spettatore di uno scenario animato da tinte pastello al calar della notte. Dal nero al rosso e dal rosso al nero, che sia un’alba o un tramonto, tanta bellezza può connetterlo con l’essenza naturale del colore che infonde serenità nello sguardo ed energia nell’animo. Simbolo del cambiamento, della contemplazione e dell’attesa, Tramonto esprime la fine del ciclo vitale del giorno dove ogni fatica quotidiana cessa per lasciare spazio al riposo. Impassibile ed impotente di fronte a una natura astratta ed incontaminata, l’Uomo placa finalmente il proprio animo ritrovando un istante di pace.

Immensa cattedrale di torri e pinnacoli di ferro e pietra, tempio alla modernità eretto con instancabile frenesia da una civiltà che cresce, che aspira al cielo, a risalire la vetta del mondo. Manhattan è il brulicare della vita. Caos bellissimo. Babele del presente, simbolo dell’ambizione e del progresso dell’Uomo, moderno Icaro che non si ferma al solcare il cielo, ma vuole abitarlo, prenderne possesso. Stratificazioni di esistenze che si sfiorano. Potenza e decadenza. Horror vacui. Moltitudine di solitudini, cuore pulsante nelle cui arterie perdersi per rinascere. Città che brucia nelle albe e nei tramonti: natura e artificio si fondono nel vetro e nell’acciaio dei grattacieli, che riflettono e vivono dei bagliori del sole, della sua luce.

Luci elettriche si confondono nel buio della notte. Nate da sorgenti urbane si rivelano, lontane dal silenzio vegetale. Portavoci del caos quotidiano custodiscono vite presenti che si incontrano all’ombra della città. Macchie della tecnologia umana si diffondono sferzando l’aria e superando la velocità del suono. Un pallido ricordo racchiuso nella filosofia futurista. Macchine che corrono attraverso la lunghezza della tela per oltrepassare i limiti della superficie. Un quadro astratto che racchiude luci fendenti e rumori assordanti: ritratto della vita umana così caotica e priva di qualsiasi elemento naturale. Semplicemente noi.

Luce è la rivelazione dell’artista; è un faro che attraversa la nebbia. E' il moto nella pittura futurista, il riflesso del sole in una finestra che si apre. E' una donna vestita di giallo che corre veloce nella notte, spighe di grano dorate viste da un treno in corsa; il guizzo di uno sguardo colto in un istante, un sorriso fugace che colpisce e rimane dentro. E' il lampo che spezza l’oscurità, la scintilla della pietra che accende il fuoco; è il bagliore della città vista dall’alto. E' la verità nella penna del poeta. La necessità che guida la mano, nell'impulsiva pennellata che illumina la tela.

Ombra mi ha colpito nel profondo dalla prima volta che l’ho vista: campeggiava su una parete un po’ nascosta, con la poca luce di un pomeriggio nuvoloso di novembre che entrava timidamente dalla finestra della stanza… l’intera tela ne risultava levemente oscurata, ma pure si avvertiva la presenza forte, inquietante dell’ombra, di una vividezza che inizialmente appariva minacciosa: come una gigantesca nube scura, una notte blu carica di cupa energia, vorticosamente scuoteva un mare schiumoso, mosso, in burrasca, e un cielo livido già attraversato dal temporale. Eppure, una volta ‘svegliati’ da questa sensazione, lo sguardo viene immediatamente catturato dai mille zampilli, dai tocchi di luce che salgono dal mare e scendono dal cielo: frammenti di sole, scintille di un giallo prezioso. Oro. E di colpo l’Ombra non fa più paura: esiste perché esiste la luce – così come il giorno ha bisogno della notte – per un naturale equilibrio degli elementi, perché senza di essa non vi sarebbe armonia. E al secondo sguardo se ne apprezza solo la grande bellezza.

Alti tulipani emergono protagonisti occupando tutta la superficie del quadro. Simili a fiamme, sfoggiano petali rivolti verso l’alto grazie agli insoliti colpi di pennello. Si elevano sui loro steli dominando il paesaggio. Non c’è traccia di presenza umana che possa coglierli sottraendoli alla terra. E non c’è spazio per nessun altro fiore, di colore o forma diversa. Tutto ciò che resta è un incontro visivo tra l’occhio di colui che osserva da fuori e un luogo che non lascia posto ad altri dettagli. Cielo e terra non sono contemplati. Simbolo dell’amore, il tulipano primeggia assieme alla rosa nel linguaggio dei fiori, carattere dolcemente espresso dai fili rossi. Petali che brillano sotto una luce solare.

Sia monumentale che enigmatico, sia complesso che caotico. Un’arte la sua capace di raccontare storie attraverso una musica pittorica. Un equilibrio di forme e colori dove ogni elemento, dai colori piatti alle forme geometriche, ha un preciso ruolo. Tendente all’antinaturalismo, all’astrazione e all’interiorità, resta portavoce di un ritmo pittorico accostato al dinamismo del colore. E proprio sull’immediatezza e l’istintività si basa la pittura di Margherita Tessier: pennellate fluide e calde ricoprono la tela dando forma a composizioni floreali. È un gioco fugace dove le emozioni durano quanto un battito del cuore e ogni sensazione lascia spazio al colore. Visioni di paesaggi e cieli infiniti ricchi di colori accesi illuminati da una luce sempre presente, anche negli esiti talvolta più cupi, lasciano spazio all’immaginazione dell’osservatore. Sappiamo che la natura è il dato predominante, una costante riscoperta del mondo esterno. Una continua fuga dal caos urbano, sempre alla ricerca di uno spazio vivibile sia nello spirito che nel corpo. Un ambiente ideale dove forme e colori trasmettono gioia, pace, tranquillità e che liberano l’occhio e la mente dalle inquietudini del mondo. Un’esaltazione delle bellezze naturali e della felice sperimentazione artistica.